編曲新手也能看懂！了解6個概念＋6個步驟，馬上學會做Demo

編曲是什麼？為什麼重要？本文將介紹編曲的定義，並深入解釋編曲的6個基礎概念以及實際流程，分享編曲技巧，回答編曲常見問題，編曲入門看這篇就對了！如果你想了解進階技巧，推薦報讀赫綵的編曲教學課程！

一、我想做出自己的音樂！除了作曲作詞，原來還要會編曲？

在影音當道、自媒體風靡全球的時代，做出大受歡迎的音樂作品是不少人的夢想。然而只要稍微了解音樂創作，便會知道除了最直觀的作曲和作詞外，編曲也是做出專業級作品必不可少的環節。下面就讓我們一起了解編曲是什麼，以及它和作曲、作詞的差異吧！

 

（一）編曲是什麼？從平凡哼唱變成完整作品就靠它！

所謂「編曲」，是指根據作曲者的旋律、和弦、歌詞和情感內容，為一首歌設計出「整體的音樂構造」，主要的內容包括樂器選擇、節奏編排、段落鋪陳與音效設計等。簡單來說，編曲就像替一首歌穿上合身又吸睛的服裝，讓它能在不同平台和風格中能夠呈現出相應的面貌，同時展現個人的品味。

舉例來說，即使原本只是用吉他自彈自唱的簡單旋律，只要搭配適當的和聲、節奏、配器設計等，也能變身為電音、搖滾、爵士等多樣風格，成為真正具有市場吸引力的音樂作品。

 

（二）作曲 VS 作詞 VS 編曲，一次搞懂音樂創作 3 個環節

🎵音樂創作的第一步：作曲

作曲是創作一首歌的第一步，重點是旋律線與基礎和弦進行的構思。旋律是指「這首歌怎麼唱」，歌手唱出來的音律一般來說就是主旋律，而和弦則像歌曲的骨架，支撐著旋律的情緒起伏。多數情況下，作曲者會先想出 1～2 小節長，具有吸引力的旋律片段（稱為「動機」，Motif），並以此為原點，慢慢完整整條旋律線，再加上和弦。
 

🎵為旋律填上文字與故事：作詞

作詞就是根據旋律來填寫相應的文字內容，為旋律賦予意義與靈魂。透過歌詞，歌曲的故事性與情緒得以放大，變得更貼近聽眾，也能為歌曲創造記憶點。所以說，好歌詞不僅能與旋律完美貼合，更能引起聽眾的共鳴，有時甚至成為經典金句！
 

🎵包裝成完整作品：編曲

即使有了旋律和歌詞，歌曲仍然相當單調，算不上「完整作品」，這時就需要編曲來進行聲音設計與段落規劃。編曲師需要思考：哪些樂器該出現？鼓組的節奏要怎麼打？副歌要不要加入和聲或弦樂？整體風格是流行、搖滾還是電子？這些處理都能豐富歌曲的聽覺體驗，注入更讓人動容的情緒張力與戲劇性。

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二、編曲入門看這裡！學編曲只需掌握 6 概念＋6 步驟

相信你已經明白編曲的重要性了，但又該如何開始做編曲呢？為了讓你更好地掌握，下面會先從調性、和弦、音樂段落、配器、音頻和音色 6 個重點概念說起，再介紹真正執行編曲時的 6 大步驟，並補充相應的技巧，幫助你實作一次到位！
 

（一）編曲先必學關鍵概念，深入淺出為你介紹

1. 調性（Tonality）

調性是歌曲的「音樂語言」，指的是歌曲中所用的音階中，每個音之間構成的排列方式與連續關係，除了最常見的大調和小調，也有帶有濃厚中國風的五聲音階和其他特殊音階。以大小調為例：

● 大調：鍵盤上的任一個音，向上依全音、全音、半音、全音、全音、全音、半音的音程距離彈奏，就能得出一個大調，聽起來明亮自然。
● 小調：鍵盤上的任一個音，向上依全音、半音、全音、全音、半音、全音、全音的音程距離彈奏，就能得出一個自然小調，聽起來有淡淡的憂鬱感。

※ 在鋼琴上，半音是指 2 個緊鄰按鍵之間的音高距離，2 個半音＝1 個全音。

只要選好要使用大調還是小調創作，再決定以哪一個音作為音階開始的第一個音（主音），就能得出歌曲的「調」（Key）。像是 C 大調就是指以 C 為主音的大調，A 小調就是指以 A 為主音的小調。確認要用哪個調，編曲時才能確保所有樂器和旋律都在同一語境中協調發聲。
 

2. 和弦（Chord）

和弦是 3 個以上不同音組成的音群，是歌曲的情緒基礎，而「和弦進行」則是這些和弦依特定順序排列的方式。它就像音樂的骨架，提供穩定的支持，也創造情緒的變化與期待。

常見的流行和弦進行範例如下：
● I–V–vi–IV（如 C–G–Am–F）：最常見的流行進行，聽起來舒服有感染力
● vi–IV–I–V：情感柔和，適合抒情歌
● ii–V–I：爵士風格常用，製造和聲張力與解決感


如果想要彈出更有「邏輯」的和弦進行，你還需要學會「轉位」和「解決」2 個關鍵概念：
● 轉位：轉位是將和弦中的不同音作為最低音而排列。例如一般的 C 大調三和弦（C–E–G）中，會以 C 為最低音，轉位就是將 E 或者 G 作為最低音的做法，能為和弦進行帶來豐富的和聲色彩表現。
● 解決：解決指的是從不穩定的和弦走到穩定的和弦，最常見的是屬和弦（V）接到主和弦（I），聽到這個和弦進行，會給人強烈結束感，就像做完一個大動作後，終於可以歇一口氣。

3. 音樂段落（Intro, Verse, Chorus...）

一首完整的歌曲就像是一篇文章，有著層層堆疊的段落架構。不同段落各司其職，透過旋律、節奏與配器的變化，構築出情感的起承轉合。以下是現代編曲常見的音樂段落與功能說明：

段落名稱	功能說明	編曲特點
前奏（Intro）	建立開場氛圍與基調	可使用主歌伴奏、樂器前導，節奏較簡潔
主歌（Verse）	敘述內容、鋪陳情緒	配器輕巧、旋律變化大，讓人專注在歌詞
前副歌（Pre-chorus）	承接主歌與副歌，情 緒預熱	常加入漸強感或節奏加速，創造期待感
副歌（Chorus）	情緒高峰，歌曲主題 所在	編曲最完整，旋律具辨識度，常配合合聲與厚重節奏
鉤印（Hook）	最洗腦、最易記的一句旋律或詞	通常會在副歌出現，常被重複強化
橋段（Bridge）	氛圍轉折、打破重複	使用不同和弦、節奏或斷奏，帶來驚喜與變化
尾奏（Outro）	收尾總結，營造餘韻	可漸弱收尾、重複 Hook、或戛然而止做情緒點綴

流行曲常見段落大致如下：
前奏⭢主歌⭢前副歌⭢副歌⭢主歌⭢前副歌⭢副歌⭢橋段⭢副歌⭢尾奏

另外也有將副歌放在最前面的特殊段落安排法，建議你多留意喜歡的流行曲，慢慢摸索架構方面的技法喔！
 

4. 配器（Instrumentation）

配器就是指決定使用哪些樂器來演奏這首歌。想做出溫暖民謠風格，可以選擇木吉他、鈴鼓，如果想要搖滾感，鼓組與電吉他就不可或缺。在配器時也要考慮音樂段落安排，像是在主歌時避免加入太多樂器，以免副歌不夠突出；而副歌每次出現時也可調整配器，做不同的層次與情緒深度。
 

5. 音頻（Audio Frequency）

音頻指的是聲音的高低範圍，由於不同樂器可以演奏的音高範圍不同，因此會占據不同頻段，例如鼓聲偏低頻、吉他中頻、人聲高頻。編曲時要注意讓每種聲音「有自己的位置」，避免混亂或重疊，進而影響後續混音的品質。
 

6. 音色（Timbre）

音色是聲音的個性與質感，例如同樣是「C 音」，用鋼琴彈和用小提琴拉出來的感覺完全不同，鋼琴演奏家彈出來的也和合成器的鋼琴音色不同，主要取決於樂器的發音原理和演奏者的手法差異。在編曲時，不單要考慮音準的正確性，也要仔細挑選和打磨音色，讓整首歌更有層次與記憶點。

 

（二）跟著 6 步驟，手把手帶你從頭做編曲！

 

✅ Step 1：確認調性＆節奏風格

首先選定歌曲的調性（大調或小調）以及速度範圍（BPM），例如 4／4 流行風可採 90～110 BPM。接著在 DAW 中載入鼓組音源，依據拍子加入鼓點，奠定全曲的律動感，並且確保後續加入和弦、旋律時，保持每一拍能夠精準對位、呈現律動風格。

如果沒有靈感，而所編的歌曲又是 4／4 ，可先安排 Kick 在第一拍、Snare 在第二與第四拍，Hi‑Hat 做八分音符循環，先敲出一段 4～8 小節的鼓點循環，再根據歌曲的情緒發展來加以變化。
 

✅ Step 2：建立和弦進行

以旋律和鼓點作為基礎，利用鋼琴、電鋼琴或合成器來完整和弦進行。建議先從簡單的 I–V–vi–IV 開始，寫出 4～8 小節的進行，再延伸到整首歌曲。在歌曲情緒高潮處，不妨加入七和弦、九和弦或者轉位來豐富，讓整首歌聽起來不再單調！

若低音跳動過大，也能善用轉位的技巧，透過改變最低音來讓低音線更平滑、自然。
 

✅ Step 3：鋪排音樂段落

在時間軸上以 Marker 標出前奏、主歌、副歌、橋段與尾奏等區段，然後依序「分軌」：為主歌、副歌、橋段各自建立不同的 MIDI 分軌，並複製鼓點與和弦進行。主歌可只留簡單的鋼琴與輕打擊，副歌則加入弦樂和和聲堆疊，讓高潮段落更飽滿。透過分軌管理，你可以靈活地在每個段落增加或刪減音色，營造出起承轉合的動態。
 

✅ Step 4：安排配器與音效

在這個環節中，你需要根據段落特性挑選樂器，例如，主旋律用 Lead、弦樂或人聲取樣，低頻部分以合成 Bass 或電貝斯支撐節奏，節奏細節加上特殊音效等元素。如想創造更獨特的氛圍和音色，可針對不同樂器調整它們的 ADSR，讓聽感更豐富。
 

✅ Step 5：加入過門＆過場效果

在段落交界處插入鼓擊 Fill（8–16 拍）、Filter Sweep 或 Riser，作為過門素材，能夠平滑連接起主歌到副歌、或副歌到橋段，讓作品的不同段落更具一致性和連貫感。注意過門不需太長，但要在音色、音量或配器上製造張力轉折，讓聽眾自然感受到情緒的推進與期待。
 

✅ Step 6：基礎混音＆輸出 Demo

最後，只需將所有分軌的音量、聲像、音頻與壓縮做初步平衡與處理，確保鼓組清脆有力、和弦與旋律互不掩蓋，並且能呈現出飽和的聽感層次、清晰的音色細節，基礎混音便算是完成。接下來便可輸出為 Demo，並在耳機、喇叭與手機等不同裝置中試聽，以確認成果符合你的期望。恭喜你已完成一首歌的編曲囉！
 

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三、編曲推薦軟體有哪些？你最關心的編曲常見問題一次解惑！

編曲要用到哪些軟硬體？做編曲需要會樂理、會演奏嗎？編曲風格總是一成不變怎麼辦？也許你對編曲還有許多的疑問，以下就讓我們來為你逐一解答！

 

（一）編曲推薦使用哪些器材和軟體？

只要有一台電腦或平板，就可以開始編曲！以下是初學者與進階玩家常用的軟硬體搭配：

硬體推薦：
● 電腦（Windows／Mac）或 iPad
● MIDI 鍵盤（非必要，但輸入旋律會更輕鬆）
● 耳機或監聽喇叭（提升聲音細節判斷）

編曲軟體推薦：
● GarageBand
● BandLab
● FL Studio
● Logic Pro

若希望進一步了解軟體的使用技巧，除了在網上找尋心得分享和自學資源外，不妨考慮報讀相關的短期課程，助你更快上手。

 

（二）做編曲需要會樂理嗎？如果不會怎麼辦？

在現代音樂創作中，雖然許多軟體已經能讓人用拖拉和直接感受的方式完成編曲，但若想做出具有層次感、情緒張力與具專業水準的作品，還是需要一定程度的樂理基礎。

就算不必像古典作曲家那樣精通五線譜、複雜和聲和對位技巧，但至少要了解音階、和弦、節奏與段落的基本邏輯，才能讓音樂聽起來和諧、有條理。如果你希望學習編曲所需的樂理知識，歡迎你報讀赫綵的「音樂製作人課程」，由專業講師深入淺出講解相關概念，輕鬆掌握！

 

（三）不會演奏樂器也可以做編曲嗎？

現在的編曲工具越來越強大，就算完全不會彈鋼琴、彈吉他，也完全可以運用 Logic Pro、FL Studio、GarageBand 等工具，點點畫面、滑鼠、鍵盤就能完成一首歌。透過拖曳 Loop、點擊音符、使用自動和弦與節奏素材，許多創作者都能在沒有演奏經驗的情況下，完成頗具水準的作品，尤其在電音、Lo-fi 或實驗音樂領域，這樣的創作方式更是常見。

不過，如果你完全沒有樂器經驗，可能會不小心寫出「不科學」的彈法或節奏編排，例如鋼琴單手幾乎不可能同時彈奏 10 度以上的音程、吉他按不出某些和弦形狀、打擊樂器的節奏安排超過一般人能演奏的極限，這些在電腦上看似合理，實際演奏起來卻難以實現。假如作品有現場演奏的需要，建議還是要向樂器演奏者請教。

 

（四）寫出來的編曲風格大同小異，該如何突破？

這是初學者常遇到的「風格瓶頸」，以下提供幾個實用方法突破套路：
1. 改變和弦進行：試試不同於 I–V–vi–IV 的進行，如加入轉調或爵士和弦。
2. 嘗試不同節奏：加上 Swing、Shuffle、Breakbeat 等節奏風格，帶來不同的律動感。
3. 跨風格嘗試：把民謠旋律放入電音節奏中、或把流行和弦用 Lo-fi 音色呈現。
4. 拆解喜歡的歌曲：用 DAW 重新模仿你喜歡的編曲，吸收它的段落設計與配器技巧。
5. 加入聲音設計元素：嘗試混合合成器音色、聲響 FX 或自然環境音，豐富編曲層次。

✨ 小提醒：風格突破不是短時間內就能輕易做到，但只要每次嘗試一點點改變，日積月累就能培養出屬於自己的創作特色。

 

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